Cinematografía: Historia, Elementos, Técnicas, Personal

La cinematografía (también llamada Dirección de Fotografía) es la ciencia o el arte de la fotografía en movimiento mediante el registro de la luz u otra radiación electromagnética, ya sea electrónicamente mediante un sensor de imagen o químicamente mediante un material sensible a la luz, como el material fotográfico.

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Los fotógrafos utilizan una lente para enfocar la luz reflejada de los objetos en una imagen real que se transfiere a algún sensor de imagen o material sensible a la luz dentro de una cámara de cine. Estas exposiciones se crean secuencialmente y se conservan para su posterior procesamiento y visualización como una película.

La captura de imágenes con un sensor de imagen electrónico produce una carga eléctrica por cada píxel de la imagen, que se procesa electrónicamente y se almacena en un archivo de vídeo para su posterior procesamiento o visualización. Las imágenes capturadas con emulsión fotográfica dan como resultado una serie de imágenes latentes invisibles en el banco de imágenes, que se “revelan” químicamente en una imagen visible. Las imágenes de la película se proyectan para ver la película.

La cinematografía encuentra usos en muchos campos de la ciencia y los negocios, así como con fines de entretenimiento y comunicación de masas.

La palabra “cinematografía” se basa en las palabras griegas κίνημα (cinematografía), que significa “movimiento, movimiento”, y γράφειν (grafismo), que significa “grabar”, y juntas, que significa “grabar movimiento”. La palabra se refería al arte, proceso o trabajo de filmar películas, pero más tarde su significado se restringió a la “fotografía cinematográfica”.

Historia

En la década de 1830, las imágenes en movimiento se producían en tambores y discos giratorios, con invención independiente de Simón von Stampfer (estroboscopio) en Austria, Joseph Plateau (fenakistoscopio) en Bélgica y William Horner (zoótropo) en Gran Bretaña.

En 1845, Francis Ronalds inventó la primera cámara exitosa capaz de hacer grabaciones continuas de las diferentes indicaciones de instrumentos meteorológicos y geomagnéticos a lo largo del tiempo. Las cámaras fueron suministradas a numerosos observatorios alrededor del mundo y algunas permanecieron en uso hasta bien entrado el siglo XX.

William Lincoln patentó un dispositivo, en 1867, que mostraba imágenes animadas llamadas “rueda de la vida” o “zoopraxiscopio”. En ella se observaban dibujos o fotografías en movimiento a través de una rendija. El 19 de junio de 1873, Eadweard Muybridge fotografió con éxito a un caballo llamado “Sallie Gardner” en movimiento rápido utilizando una serie de 24 cámaras estereoscópicas.

Las cámaras estaban dispuestas a lo largo de una pista paralela a la del caballo, y cada obturador de la cámara estaba controlado por un cable de disparo disparado por los cascos del caballo. Al final de la década, Muybridge había adaptado secuencias de sus fotografías a un zoopraxiscopio para realizar “películas” cortas, primitivas y proyectadas, que eran sensaciones en sus giras de conferencias de 1879 ó 1880.

Nueve años más tarde, en 1882, el científico francés Étienne-Jules Marey inventó un arma cronográfica, capaz de tomar 12 fotogramas consecutivos por segundo, grabando todos los fotogramas de la misma foto. Desde finales del siglo XIX hasta principios del XX, el cine se utilizó no sólo con fines de entretenimiento, sino también para la exploración científica.

El biólogo y cineasta francés Jean Painleve presionó fuertemente a favor del uso del cine en el campo científico, ya que el nuevo medio era más eficiente que el ojo humano para capturar y documentar el comportamiento, movimiento y ambiente de microorganismos, células y bacterias.

La introducción de la película en los campos científicos permitió no sólo ver “nuevas imágenes y objetos, como células y objetos naturales, sino también verlos en tiempo real”, mientras que antes de la invención de las imágenes en movimiento, los científicos y los médicos tenían que basarse tanto en bocetos dibujados a mano de la anatomía humana y sus microorganismos. Esto planteaba un gran inconveniente en el mundo de la ciencia y la medicina. El desarrollo de la película y el mayor uso de cámaras fotográficas permitieron a los médicos y científicos comprender y conocer mejor sus proyectos.

Cinematografía

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La película experimental Roundhay Garden Scene, filmada por Louis Le Prince el 14 de octubre de 1888, en Roundhay, Leeds, Inglaterra, es la primera película superviviente. Esta película fue rodada en papel. W. K. L. Dickson, trabajando bajo la dirección de Thomas Alva Edison, fue el primero en diseñar un aparato exitoso, el Kinetograph, patentado en 1891. Esta cámara tomó una serie de fotografías instantáneas sobre una emulsión fotográfica Eastman Kodak estándar recubierta sobre una tira transparente de celuloide de 35 mm de ancho.

Los resultados de este trabajo se mostraron por primera vez en público en 1893, utilizando el aparato de observación también diseñado por Dickson, el Kinetoscope. Contenida dentro de una gran caja, sólo una persona a la vez que miraba a través de una mirilla podía ver la película.

Al año siguiente, Charles Francis Jenkins y su proyector, el Phantoscope, lograron un gran éxito de audiencia, mientras que Louis y Auguste Lumière perfeccionaron el Cinématographe, un aparato que tomó, imprimió y proyectó películas, en París en diciembre de 1895.

Los hermanos Lumière fueron los primeros en presentar imágenes proyectadas, en movimiento, fotográficas, a una audiencia de pago de más de una persona. En 1896, se abrieron cines en Francia (París, Lyon, Burdeos, Niza, Marsella), Italia (Roma, Milán, Nápoles, Génova, Venecia, Bolonia, Forlì), Bruselas y Londres. En 1896, Edison mostró su proyector Vitascope mejorado, el primer proyector comercialmente exitoso en los Estados Unidos. Cooper Hewitt inventó las lámparas de mercurio que hicieron práctico el rodaje de películas en interiores sin luz solar en 1905.

El primer dibujo animado fue producido en 1906. Los créditos comenzaron a aparecer al principio de las películas en 1911. La cámara de cine Bell y Howell 2709 inventada en 1915 permitió a los directores hacer primeros planos sin mover físicamente la cámara. A finales de la década de 1920, la mayoría de las películas producidas eran películas sonoras. Los formatos de pantalla ancha se experimentaron por primera vez en la década de 1950. En la década de 1970, la mayoría de las películas eran en color. IMAX y otros formatos de 70mm ganaron popularidad. La amplia distribución de películas se convirtió en algo común, sentando las bases para “éxitos de taquilla”.

La cinematografía cindominó la industria cinematográfica desde sus inicios hasta la década de 2010, cuando la cinematografía digital se hizo dominante. La cinematografía cinematográfica sigue siendo utilizada por algunos directores, especialmente en aplicaciones específicas o por afición al formato.

Blanco y negro

Desde su nacimiento en la década de 1880, el cine fue predominantemente monocromo. Contrariamente a la creencia popular, monocromo no siempre significa blanco y negro; significa una película rodada en un solo tono o color. Dado que el coste de las bases de las películas tintadas era sustancialmente mayor, la mayoría de las películas se producían en blanco y negro y monocromo. Incluso con el advenimiento de los primeros experimentos de color, el mayor gasto de las películas en color significaba que éstas se hacían principalmente en blanco y negro hasta la década de 1950, cuando se introdujeron procesos de color más baratos, y en algunos años el porcentaje de películas rodadas en películas en color superó el 51%.

En la década de 1960, el color se convirtió con mucho en el material cinematográfico dominante. En las décadas siguientes, el uso de la película en color aumentó enormemente mientras que las películas monocromas se hicieron escasas.

Color

Después de la llegada de las películas, se invirtió una enorme cantidad de energía en la producción de fotografías en color natural. La invención de la película hablada aumentó aún más la demanda del uso de la fotografía en color. Sin embargo, en comparación con otros avances tecnológicos de la época, la llegada de la fotografía en color fue un proceso relativamente lento. Las primeras películas no eran en realidad películas en color, ya que se rodaban monocromas y se coloreaban a mano o a máquina después. El ejemplo más antiguo es el de la Danza Serpentina Annabelle teñida a mano en 1895 por Edison Manufacturing Company. Más tarde, el tintado a máquina se hizo popular.

El tinte continuó hasta el advenimiento de la cinematografía en color natural en la década de 1910. Muchas películas en blanco y negro se han coloreado recientemente con tintes digitales. Esto incluye material filmado de las dos guerras mundiales, eventos deportivos y propaganda política. En 1902, Edward Raymond Turner produjo las primeras películas con un proceso de color natural en lugar de utilizar técnicas de coloración. En 1908, se introdujo el kinemacolor. En el mismo año, el cortometraje A Visit to the Seaside se convirtió en la primera película en color natural que se presentó públicamente.

En 1917, se introdujo la primera versión de Technicolor. Kodachrome se introdujo en 1935. Eastmancolor fue introducido en 1950 y se convirtió en el estándar de color para el resto del siglo. En la década de 2010, las películas en color fueron reemplazadas en gran medida por la cinematografía digital en color.

Cinematografía digital

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En la cinematografía digital, la película se graba en un medio digital como el almacenamiento flash, así como se distribuye a través de un medio digital como un disco duro.

A partir de finales de los años 80, Sony comenzó a comercializar el concepto de “cinematografía electrónica”, utilizando sus cámaras de vídeo profesionales Sony HDVS analógicas. El esfuerzo tuvo muy poco éxito. En 1998, con la introducción de las grabadoras HDCAM y las cámaras de vídeo profesionales digitales de 1920 × 1080 píxeles basadas en la tecnología CCD, la idea, ahora rebautizada como “cinematografía digital”, comenzó a cobrar fuerza en el mercado.

En mayo de 1999, George Lucas desafió por primera vez la supremacía del medio cinematográfico al incluir imágenes filmadas con cámaras digitales de alta definición en Star Wars: Episodio I – The Phantom Menace. A finales de 2013, Paramount se convirtió en el primer estudio importante en distribuir películas a las salas de cine en formato digital, eliminando por completo las películas de 35 mm. Desde entonces, la demanda de películas para ser desarrolladas en formato digital en lugar de 35mm ha aumentado drásticamente.

A medida que la tecnología digital mejoró, los estudios de cine comenzaron a cambiar cada vez más hacia la cinematografía digital. Desde la década de 2010, la cinematografía digital se ha convertido en la forma dominante de la cinematografía después de haber reemplazado en gran medida a la cinematografía cinematográfica.

Técnica cinematográfica

Las primeras cámaras de película se fijaron directamente a la cabeza de un trípode u otro soporte, con los dispositivos de nivelación más toscos que se ofrecían, a la manera de los trípodes de cámara fija de la época. De este modo, las primeras cámaras de cine se fijaron de forma efectiva durante el rodaje y, por lo tanto, los primeros movimientos de cámara fueron el resultado del montaje de una cámara en un vehículo en movimiento.

El primero de ellos fue una película rodada por un camarógrafo de Lumière desde el andén trasero de un tren que salía de Jerusalén en 1896, y en 1898 se rodaron varias películas de trenes en movimiento. Aunque en los catálogos de venta de la época figuraban bajo el título general de “panorámicas”, las películas rodadas directamente desde delante de un motor ferroviario solían denominarse “Phantom Rides”.

En 1897, Robert W. Paul hizo fabricar el primer cabezal de cámara giratorio real para ponerlo en un trípode, de modo que pudiera seguir las procesiones del Jubileo de Diamantes de la Reina Victoria en un solo disparo ininterrumpido. Este dispositivo tenía la cámara montada sobre un eje vertical que podía ser girado por un engranaje helicoidal accionado girando una manivela, y Paul la puso a la venta el año siguiente. En los catálogos de películas de la primera década de cine también se hacía referencia a la toma realizada con una cabeza de “panorámica” de este tipo. Esto finalmente llevó a la creación de una foto panorámica también.

El patrón estándar de los primeros estudios de cine fue proporcionado por el estudio que Georges Méliès había construido en 1897. Este tenía un techo de cristal y tres paredes de cristal construidas según el modelo de los grandes estudios de fotografía fija, y estaba provisto de finas telas de algodón que se podían estirar bajo el techo para difundir el rayo directo del sol en los días soleados. La suave luz general sin sombras reales que este arreglo producía, y que también existe naturalmente en días ligeramente nublados, se convertiría en la base para la iluminación de los estudios cinematográficos durante la próxima década.

Sensor de imagen y archivo de películacinematografía

La cinematografía puede comenzar con un sensor de imagen digital o rollos de película. Los avances en la emulsión de la película y la estructura del grano proporcionaron una amplia gama de existencias de película disponibles. La selección de una película es una de las primeras decisiones que se toman en la preparación de una producción de película típica.

Aparte de la selección del calibre de la película – 8 mm (amateur), 16 mm (semiprofesional), 35 mm (profesional) y 65 mm (fotografía épica, raramente utilizada excepto en lugares de eventos especiales) – el director de fotografía tiene una selección de acciones en reversa (que, cuando se revelan, crean una imagen positiva) y formatos negativos junto con una amplia gama de velocidades de película (sensibilidad variable a la luz) desde ISO 50 (lenta, menos sensible a la luz) hasta 800 (muy rápida, extremadamente sensible a la luz) y diferentes respuestas al color (baja saturación, alta saturación) y contraste (niveles variables entre el negro puro (sin exposición) y el blanco puro (sobreexposición completa).

Los avances y ajustes en casi todos los calibres de película crean los formatos “super” en los que se amplía el área de la película utilizada para capturar un solo fotograma de una imagen, aunque el calibre físico de la película sigue siendo el mismo. Super 8 mm, Super 16 mm y Super 35 mm utilizan más del área total de la película para la imagen que sus contrapartes “normales” que no son Super. Cuanto mayor sea el calibre de la película, mayor será la resolución general de la imagen, claridad y calidad técnica. Las técnicas utilizadas por el laboratorio de filmación para procesar el material fílmico también pueden ofrecer una variación considerable en la imagen producida.

Controlando la temperatura y variando la duración en la que la película está empapada en los productos químicos de desarrollo, y omitiendo ciertos procesos químicos (o omitiéndolos parcialmente), los cinematógrafos pueden lograr miradas muy diferentes de una sola película en el laboratorio. Algunas de las técnicas que se pueden utilizar son el procesamiento por empuje, el bypass de blanqueador y el procesamiento cruzado.

Filtros

Los filtros, como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también se utilizan ampliamente para mejorar el estado de ánimo o los efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos están formados por dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí con algún tipo de material de manipulación de imágenes o luz. En el caso de los filtros de color, a menudo hay un medio de color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan bloqueando ciertas longitudes de onda de luz de color para que no lleguen a la película. Con la película en color, esto funciona de manera muy intuitiva, ya que un filtro azul reducirá el paso de la luz roja, naranja y amarilla y creará un tinte azul en la película.

En la fotografía en blanco y negro, los filtros de color se utilizan de forma algo intuitiva; por ejemplo, un filtro amarillo, que reduce las longitudes de onda de la luz azul, puede utilizarse para oscurecer un cielo de luz diurna (eliminando la luz azul que golpea la película y, por tanto, subexponiendo en gran medida el cielo, en su mayor parte azul) sin sesgar la mayoría del tono de la carne humana. Algunos cinematógrafos, como Christopher Doyle, son bien conocidos por su innovador uso de los filtros. Los filtros se pueden utilizar delante de la lente o, en algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos. Christopher Doyle fue un pionero en el aumento del uso de filtros en las películas. Era muy respetado en todo el mundo del cine.

Lente

Los lentes se pueden fijar a la cámara para dar un cierto aspecto, sensación o efecto según el enfoque, el color, etc. Al igual que el ojo humano, la cámara crea perspectiva y relaciones espaciales con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia de lo que ocurre con el ojo, un director de fotografía puede seleccionar diferentes objetivos para diferentes propósitos. La variación en la longitud focal es uno de los principales beneficios. La distancia focal del objetivo determina el ángulo de visión y, por lo tanto, el campo de visión. Los fotógrafos pueden elegir entre una amplia gama de objetivos gran angular, objetivos “normales” y objetivos de enfoque largo, así como objetivos macro y otros sistemas de objetivos de efectos especiales, como los objetivos de boroscopio.

Los objetivos gran angular tienen distancias focales cortas y hacen que las distancias espaciales sean más obvias. Una persona en la distancia se muestra mucho más pequeña, mientras que alguien en la parte delantera se mostrará más grande. Por otro lado, los lentes de enfoque largo reducen tales exageraciones, representando objetos lejanos como aparentemente cercanos entre sí y aplastando la perspectiva. Las diferencias entre la representación de la perspectiva no se deben en realidad a la distancia focal en sí misma, sino a la distancia entre los objetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes distancias focales en combinación con diferentes distancias de cámara a objeto crea estas diferentes representaciones. Cambiar la distancia focal sólo mientras se mantiene la misma posición de la cámara no afecta a la perspectiva, sino sólo al ángulo de visión de la cámara.

Un objetivo zoom permite al operador de la cámara cambiar su distancia focal dentro de una toma o rápidamente entre configuraciones para tomas. Como los objetivos principales ofrecen una mayor calidad óptica y son “más rápidos” (aberturas de apertura más grandes, utilizables con menos luz) que los objetivos de zoom, a menudo se utilizan en la cinematografía profesional a través de los objetivos de zoom. Sin embargo, ciertas escenas o incluso tipos de filmación pueden requerir el uso de zooms para aumentar la velocidad o la facilidad de uso, así como tomas que implique un movimiento de zoom.

Como en otras fotografías, el control de la imagen expuesta se realiza en el objetivo con el control de la apertura del diafragma. Para una correcta selección, el director de fotografía necesita que todos los objetivos estén grabados con T-Stop, no con f-stop para que la eventual pérdida de luz debida al vidrio no afecte al control de exposición cuando se ajusta con los medidores habituales. La elección de la apertura también afecta a la calidad de la imagen (aberraciones) y a la profundidad de campo.

Profundidad de campo y enfoque

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Un hombre y una mujer de aspecto severo se sientan en el lado derecho de una mesa con documentos sobre la mesa. Hay un sombrero de copa en la mesa. Un hombre desaliñado se para a la izquierda del cuadro. En el fondo, un niño puede ser visto a través de una ventana jugando en la nieve.

Un enfoque profundo del Ciudadano Kane (1941)

  • Todo, incluyendo el sombrero en primer plano y el niño (el joven Charles Foster Kane) en la distancia, está en foco agudo.
  • La distancia focal y la apertura del diafragma afectan a la profundidad de campo de una escena, es decir, a la medida en que el fondo, el terreno medio y el primer plano se renderizan con un “enfoque aceptable” (sólo un plano exacto de la imagen está enfocado con precisión) en el objetivo de la película o del vídeo.
  • La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de enfoque) viene determinada por el tamaño de la apertura y la distancia focal.
  • Se genera una gran o profunda profundidad de campo con una apertura del iris muy pequeña y enfocando en un punto de la distancia, mientras que con una apertura del iris grande (abierta) y enfocando más cerca de la lente se conseguirá una profundidad de campo baja.
  • La profundidad de campo también depende del tamaño del formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, cuanto más pequeña es la imagen, menor debe ser la distancia focal, para mantener el mismo campo de visión.
  • Entonces, cuanta más pequeña es la imagen, más profundidad de campo se obtiene, para el mismo campo de visión.
  • Por lo tanto, 70mm tiene menos profundidad de campo que 35mm para un campo de visión dado, 16mm más que 35mm, y las primeras cámaras de video, así como la mayoría de las cámaras de video modernas de nivel consumidor, incluso más profundidad de campo que 16mm.

Relación de aspecto y encuadre

La relación de aspecto de una imagen es la relación entre su anchura y su altura. Esto puede expresarse como una relación de 2 números enteros, como 4:3, o en formato decimal, como 1.33:1 o simplemente 1.33. Las diferentes proporciones proporcionan diferentes efectos estéticos. Los estándares para la relación de aspecto han variado significativamente con el tiempo.

Durante la era del silencio, las relaciones de aspecto variaban ampliamente, desde el cuadrado 1:1, hasta el extremo de la pantalla panorámica 4:1 Polyvision. Sin embargo, a partir de la década de 1910, las películas mudas generalmente se establecieron en una relación de 4:3 (1,33). La introducción del sonido sobre la película redujo brevemente la relación de aspecto, para dar cabida a una banda sonora. En 1932, se introdujo un nuevo estándar, el ratio de la Academia de 1,37, mediante el engrosamiento de la línea de cuadros.

Durante años, los principales directores de fotografía se limitaron a utilizar la proporción de la Academia, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad de Cinerama, se introdujeron las proporciones de pantalla ancha en un esfuerzo por atraer a las audiencias de vuelta al teatro y lejos de sus televisores domésticos. Estos nuevos formatos de pantalla ancha proporcionaron a los directores de fotografía un marco más amplio dentro del cual componer sus imágenes.

En la década de 1950 se inventaron y utilizaron muchos sistemas fotográficos patentados diferentes para crear películas de pantalla ancha, pero una de ellas dominó: el proceso anamórfico, que exprime ópticamente la imagen para fotografiar dos veces el área horizontal hasta el mismo tamaño vertical que los objetivos “esféricos” estándar.

En los años 90, con la llegada del vídeo de alta definición, los ingenieros de televisión crearon la relación 1,78 (16:9) como un compromiso matemático entre el estándar teatral de 1,85 y el de la televisión de 1,33, ya que no era práctico producir un tubo de televisión CRT tradicional con un ancho de 1,85 pulgadas. Hasta ese momento, nada se había originado en 1.78. Hoy en día, este es un estándar para el vídeo de alta definición y para la televisión de pantalla ancha.

Iluminación

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La luz es necesaria para crear una exposición de imagen en un fotograma de película o en un objetivo digital (CCD, etc.). Sin embargo, el arte de la iluminación para la cinematografía va mucho más allá de la exposición básica, hasta llegar a la esencia de la narración visual. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que una audiencia tiene al ver una película. El aumento del uso de filtros puede tener un gran impacto en la imagen final y afectar a la iluminación.

Movimiento de la cámara

La cinematografía no sólo puede representar un sujeto en movimiento, sino que también puede utilizar una cámara que represente el punto de vista o la perspectiva del público, que se mueve durante el transcurso de la filmación. Este movimiento juega un papel importante en el lenguaje emocional de las imágenes cinematográficas y en la reacción emocional del público a la acción.

Las técnicas van desde los movimientos más básicos de panoramización (desplazamiento horizontal en el punto de vista desde una posición fija; como girar la cabeza de lado a lado) e inclinación (desplazamiento vertical en el punto de vista desde una posición fija); como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar al cielo o hacia abajo para mirar al suelo), a dollying (colocar la cámara sobre una plataforma en movimiento para acercarla o alejarla del sujeto), tracking (colocar la cámara sobre una plataforma en movimiento para moverla a la izquierda o a la derecha), craning (mover la cámara en posición vertical; poder levantarla del suelo y girarla de lado a lado desde una posición de base fija), y combinaciones de lo anterior. Los primeros cinematógrafos a menudo se enfrentaban a problemas que no eran comunes a otros artistas gráficos debido al elemento de movimiento.

Rodaje en directo para TV (2013)

Las cámaras han sido montadas en casi todas las formas de transporte imaginables. La mayoría de las cámaras también pueden ser portátiles, es decir, que se mantienen en manos del operador de cámara que se mueve de una posición a otra mientras filma la acción. Las plataformas de estabilización personal se crearon a finales de la década de 1970 gracias a la invención de Garrett Brown, que se conoció como la Steadicam.

La Steadicam es un arnés de cuerpo y brazo de estabilización que se conecta a la cámara, sosteniendo la cámara mientras la aísla de los movimientos del cuerpo del operador. Después de que la patente de Steadicam expirara a principios de los años 90, muchas otras compañías comenzaron a fabricar su concepto del estabilizador de cámara personal. Este invento es mucho más común en el mundo cinematográfico actual. Desde largometrajes hasta las noticias de la noche, cada vez más cadenas han empezado a utilizar un estabilizador de cámara personal.

Efectos especiales

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Los primeros efectos especiales en el cine se crearon durante el rodaje de la película. Estos se conocieron como efectos “in-camera”. Más tarde, se desarrollaron efectos ópticos y medios digitales para que los editores y artistas de efectos visuales pudieran controlar el proceso de forma más estricta mediante la manipulación de la película en la postproducción.

La película de 1896. La Ejecución de María Estuardo muestra a un actor vestido como la reina colocando su cabeza en el bloque de ejecución frente a un pequeño grupo de transeúntes vestidos de Isabel. El verdugo baja el hacha y la cabeza de la reina cae al suelo. Este truco se hizo deteniendo la cámara y sustituyendo al actor por un maniquí, y luego reiniciando la cámara antes de que caiga el hacha. Las dos piezas de película se recortaron y cementaron juntas para que la acción pareciera continua cuando se proyectó la película, creando así una ilusión general y sentando con éxito las bases para los efectos especiales.

Esta película fue una de las exportadas a Europa con las primeras máquinas Kinetoscope en 1895 y fue vista por Georges Méliès, que en ese momento estaba haciendo espectáculos de magia en su Teatro Robert-Houdin de París. Empezó a hacer cine en 1896, y después de hacer imitaciones de otras películas de Edison, Lumière y Robert Paul, hizo Escamotage d’un dame chez Robert-Houdin (La dama que desaparece). Esta película muestra a una mujer que está siendo obligada a desaparecer utilizando la misma técnica de stop motion que la anterior película de Edison. Después de esto, Georges Méliès realizó muchas películas individuales utilizando este truco durante los dos años siguientes.

Selección de velocidad de cuadro

Las imágenes cinematográficas se presentan a una audiencia a una velocidad constante. En el teatro es de 24 cuadros por segundo, en la televisión NTSC (EE.UU.) es de 30 cuadros por segundo (29,97 para ser exactos), en la televisión PAL (Europa) es de 25 cuadros por segundo. Esta velocidad de presentación no varía. Sin embargo, variando la velocidad a la que se captura la imagen, se pueden crear varios efectos sabiendo que la imagen grabada más rápida o más lenta se reproducirá a una velocidad constante. Dar al director de fotografía aún más libertad para la creatividad y la expresión.

Por ejemplo, la fotografía en lapso de tiempo se crea exponiendo una imagen a un ritmo extremadamente lento. Si un director de fotografía configura una cámara para que exponga un fotograma cada minuto durante cuatro horas, y luego se proyecta a 24 fotogramas por segundo, se tardará 10 segundos en presentar un evento de cuatro horas, y se pueden presentar los eventos de un día entero (24 horas) en sólo un minuto.

Lo contrario, si una imagen es capturada a velocidades superiores a las de su presentación, el efecto es ralentizar enormemente (cámara lenta) la imagen. Si un director de fotografía dispara a una persona que se sumerge en una piscina a 96 fotogramas por segundo, y esa imagen se reproduce a 24 fotogramas por segundo, la presentación durará 4 veces más que el evento real. El movimiento extremadamente lento, capturar muchos miles de fotogramas por segundo puede presentar cosas normalmente invisibles para el ojo humano, como balas en vuelo y ondas de choque que viajan a través de los medios de comunicación, una técnica cinematográfica potencialmente poderosa.

En el cine, la manipulación del tiempo y del espacio es un factor que contribuye considerablemente a las herramientas narrativas. La edición de películas juega un papel mucho más importante en esta manipulación, pero la selección de la frecuencia de fotogramas en la fotografía de la acción original es también un factor que contribuye a alterar el tiempo. Por ejemplo, Modern Times de Charlie Chaplin fue rodado a “velocidad silenciosa” (18 fps) pero proyectado a “velocidad del sonido” (24 fps), lo que hace que la acción de las bufonadas parezca aún más frenética.

La aceleración de velocidad, o simplemente “aceleración”, es un proceso por el cual la velocidad de captura de imágenes de la cámara cambia con el tiempo. Por ejemplo, si en el curso de 10 segundos de captura, la tasa de fotogramas de captura se ajusta de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo, cuando se reproduce con la tasa de reproducción de películas estándar de 24 fotogramas por segundo, se consigue un efecto único de manipulación del tiempo. Por ejemplo, alguien que empuja una puerta para abrirla y sale a la calle parecería empezar en cámara lenta, pero unos segundos más tarde en la misma toma.

Otras técnicas especiales

G.A. Smith inició la técnica del movimiento inverso y también mejoró la calidad de las imágenes auto-motivadoras. Esto lo hizo repitiendo la acción por segunda vez mientras la filmaba con una cámara invertida y luego uniendo la cola del segundo negativo a la del primero.

Las primeras películas que lo utilizaron fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter, esta última que mostraba a un pintor de signos escribiendo un signo, y luego la pintura del signo desapareciendo bajo el pincel del pintor. El primer ejemplo que se conserva de esta técnica es The House That Jack Built, de Smith, realizado antes de septiembre de 1901. Aquí, un niño pequeño es mostrado derribando un castillo que acaba de ser construido por una niña pequeña a partir de bloques de construcción de niños. Aparece entonces un título que dice “Invertido”, y la acción se repite al revés para que el castillo se reedifique bajo sus golpes.

Cecil Hepworth mejoró esta técnica imprimiendo el negativo del movimiento de avance hacia atrás cuadro por cuadro, de modo que en la producción de la impresión la acción original fue exactamente al revés. Hepworth hizo The Bathers en 1900, en el que los bañistas que se han desnudado y saltado al agua parecen salir de él hacia atrás, y tienen sus ropas mágicamente volando de vuelta a sus cuerpos.

El uso de diferentes velocidades de cámara también apareció alrededor de 1900. On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus (1899), de Robert Paul, hizo que la cámara girara tan lentamente que cuando la película se proyectaba a los 16 fotogramas por segundo, el escenario parecía pasar a gran velocidad. Cecil Hepworth utilizó el efecto contrario en El jefe indio y el polvo de Seidlitz (1901), en el que un indio rojo ingenuo come mucha de la medicina gaseosa para el estómago, haciendo que su estómago se expanda y luego salta como un globo. Esto se hizo girando la cámara más rápido que los 16 cuadros por segundo normales, dando el primer efecto de “cámara lenta”.

Personal

Un equipo de cámaras de la Primera Unidad Cinematográfica. En orden descendente de antigüedad, participan los siguientes miembros del personal:

  • Director de fotografía también llamado cinematógrafo
  • Operador de cámara también llamado camarógrafo
  • Primer ayudante de cámara también llamado tirador de foco
  • Segundo asistente de cámara también llamado cargador de claquetas

En la industria cinematográfica, el director de fotografía es responsable de los aspectos técnicos de las imágenes (iluminación, elección de lentes, composición, exposición, filtración, selección de películas), pero trabaja en estrecha colaboración con el director para garantizar que la estética artística apoye la visión del director de la historia que se cuenta. Los cinematógrafos son las cabezas de la cámara, el equipo de agarre y la iluminación de un plató, y por esta razón, a menudo se les llama directores de fotografía o DPs. El ASC define la cinematografía como un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de una obra de arte original y no en la simple grabación de un acontecimiento físico.

La cinematografía no es una subcategoría de la fotografía. Más bien, la fotografía no es más que una artesanía que el director de fotografía utiliza además de otras técnicas físicas, organizativas, de gestión, interpretativas y de manipulación de imágenes para llevar a cabo un proceso coherente. En la tradición británica, si el DOP opera la cámara en sí mismo, se le llama director de fotografía. En producciones más pequeñas, es común que una sola persona realice todas estas funciones. La progresión de la carrera normalmente implica subir la escalera desde el apoyo, la primera vez, hasta el funcionamiento de la cámara.

Los directores de fotografía toman muchas decisiones creativas e interpretativas durante el curso de su trabajo, desde la preproducción hasta la postproducción, todas las cuales afectan el aspecto general de la película. Muchas de estas decisiones son similares a lo que un fotógrafo debe tener en cuenta al tomar una fotografía: el cinematógrafo controla la elección de la película en sí (de una gama de valores disponibles con sensibilidades variables a la luz y al color), la selección de las distancias focales del objetivo, la exposición de la apertura y el enfoque.

La cinematografía, sin embargo, tiene un aspecto temporal (ver persistencia de la visión), a diferencia de la fotografía fija, que es puramente una sola imagen fija. También es más voluminoso y agotador tratar con las cámaras de cine, e implica una gama más compleja de opciones. Como tal, un cinematógrafo a menudo necesita trabajar en cooperación con más personas que un fotógrafo, que a menudo podría funcionar como una sola persona.

Como resultado, el trabajo del director de fotografía también incluye la gestión de personal y la organización logística. Dado el profundo conocimiento que un director de fotografía requiere no sólo de su propio oficio sino también del de otro personal, puede ser ventajoso tener una formación formal en cine analógico o digital.

Referencias

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Licda. En Comunicación Social, mención Comunicación y Desarrollo con 16 años en el ejercicio del periodismo, ahora Redactora Web Maracay- Venezuela

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