La Fotografía: Historia, Invención, Tipos, Técnicas y Ley

La fotografía es la ciencia, el arte, la aplicación y la práctica de crear imágenes duraderas mediante el registro de luz u otra radiación electromagnética, ya sea electrónicamente por medio de un sensor de imagen, o químicamente por medio de un material sensible a la luz como película fotográfica.

Normalmente, una lente se utiliza para enfocar la luz reflejada o emitida por los objetos en una imagen real en la superficie sensible a la luz dentro de una cámara durante una exposición programada. Con un sensor de imagen electrónico, esto produce una carga eléctrica en cada píxel, que se procesa electrónicamente y se almacena en un archivo de imagen digital para su posterior visualización o procesamiento.

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El resultado con la emulsión fotográfica es una imagen latente invisible, que luego se “desarrolla” químicamente en una imagen visible, ya sea negativa o positiva dependiendo del propósito del material fotográfico y el método de procesamiento. Una imagen negativa en una película se usa tradicionalmente para crear fotográficamente una imagen positiva en una base de papel, conocida como impresión, ya sea mediante el uso de una ampliadora o mediante impresión por contacto.

La fotografía se emplea en muchos campos de la ciencia, la fabricación (por ejemplo, fotolitografía) y los negocios, así como en sus usos más directos para la producción de arte, cine y video, fines recreativos, pasatiempos y comunicación masiva.

Etimología

La palabra “fotografía” se creó a partir de las raíces griegas φωτός (phōtos), genitivo de φῶς (phōs), “luz” y γραφή (graphé) “representación mediante líneas” o “dibujo”, juntas que significa “dibujar con luz”.

Varias personas pueden haber acuñado el mismo término nuevo de estas raíces de forma independiente. Hércules Florencia, un pintor e inventor francés residente en Campinas, Brasil, usó la forma francesa de la palabra, fotografía, en notas privadas que un historiador brasileño cree que fueron escritas en 1834. Este reclamo es ampliamente informado, pero aparentemente nunca se ha confirmado independientemente como más allá de toda duda razonable.

El periódico alemán Vossische Zeitung, del 25 de febrero de 1839, contenía un artículo titulado Photographie, en el que se discutían varios reclamos prioritarios, especialmente los de Henry Fox Talbot, con respecto a la afirmación de la invención de Daguerre. El artículo es la aparición más temprana conocida de la palabra en impresión pública. Fue firmado “J.M.”, se cree que fue el astrónomo de Berlín Johann von Maedler.

Tradicionalmente, se le ha dado crédito a Sir John Herschel por acuñar la palabra y por presentarla al público. Sus usos en correspondencia privada antes del 25 de febrero de 1839 y en su conferencia de la Royal Society sobre el tema en Londres el 14 de marzo de 1839 han sido ampliamente documentados y aceptados como hechos resueltos.

Los inventores Nicéphore Niépce, Henry Fox Talbot y Louis Daguerre parecen no haber conocido ni utilizado la palabra “fotografía”, sino que se refirieron a sus procesos como “Heliografía” (Niépce), “Dibujo fotogénico” / “Talbototipo” / “Calotipo” ( Talbot) y “Daguerreotype” (Daguerre).

Historia

Una cámara oscura utilizada para dibujar

La fotografía es el resultado de combinar varios descubrimientos técnicos. Mucho antes de que se hicieran las primeras fotografías, el antiguo filósofo chino Han Mo Di de la Escuela Mohística de la Lógica fue el primero en descubrir y desarrollar los principios científicos de la óptica, la cámara oscura y la cámara estenopeica. Más tarde, los matemáticos griegos Aristóteles y Euclides también describieron de forma independiente una cámara estenopeica en los siglos V y IV a. C.

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En el siglo VI EC, el matemático bizantino Anthemius de Tralles usó un tipo de cámara oscura en sus experimentos. Tanto el erudito chino Han Shen Shen (1031-95) como el físico árabe Ibn al-Haytham (Alhazen) (965-1040) han inventado independientemente la cámara oscura y la cámara estenopeica, descubrieron a Albertus Magnus (1193-1280) el nitrato de plata, y Georg Fabricius (1516-71) descubrieron cloruro de plata.

Shen Kuo explica la ciencia de la cámara oscura y la física óptica en su trabajo científico Dream Pool Essays, mientras que las técnicas descritas en el Libro de Óptica de Ibn al-Haytham son capaces de producir fotografías primitivas con materiales medievales.

Daniele Barbaro describió un diafragma en 1566. Wilhelm Homberg describió cómo la luz oscureció algunos productos químicos (efecto fotoquímico) en 1694. El libro de ficción Giphantie, publicado en 1760, por el autor francés Tiphaigne de la Roche, describió lo que se puede interpretar como fotografía.

El descubrimiento de la cámara oscura que proporciona una imagen de una escena se remonta a la antigua China. Leonardo da Vinci menciona cámaras oscuras naturales que están formadas por cuevas oscuras en el borde de un valle iluminado por el sol. Un agujero en la pared de la cueva actuará como una cámara estenopeica y proyectará una imagen boca abajo invertida lateralmente en una hoja de papel. Así que el nacimiento de la fotografía se centró principalmente en inventar medios para capturar y conservar la imagen producida por la cámara oscura.

Los pintores del Renacimiento utilizaron la cámara oscura que, de hecho, da la representación óptica en color que domina el arte occidental. La cámara oscura significa literalmente “cámara oscura” en latín. Es una caja con un agujero que permite pasar la luz y crear una imagen en la hoja de papel.

Invención de fotografía

El grabado heliográfico sobreviviente más antiguo conocido, 1825, impreso de una placa de metal hecha por Nicéphore Niépce. La placa fue expuesta bajo un grabado ordinario y copiada por medios fotográficos. Este fue un paso hacia la primera fotografía permanente tomada con una cámara.

Alrededor del año 1800, el inventor británico Thomas Wedgwood realizó el primer intento conocido de capturar la imagen en una cámara oscura por medio de una sustancia sensible a la luz. Él usó papel o cuero blanco tratado con nitrato de plata. Aunque logró capturar las sombras de los objetos colocados en la superficie bajo la luz directa del sol, e incluso realizó instantáneas de pinturas sobre vidrio, en 1802 se informó que “las imágenes formadas por medio de una cámara oscura se han encontrado demasiado débiles para producir, en cualquier tiempo moderado, un efecto sobre el nitrato de plata”. Las imágenes de sombra eventualmente se oscurecieron por completo.

El primer fotograbado permanente fue una imagen producida en 1822 por el inventor francés Nicéphore Niépce, pero fue destruida en un intento posterior de hacer copias de ella. Niépce volvió a tener éxito en 1825. En 1826 o 1827, hizo la Vista desde la ventana en Le Gras, la fotografía más antigua que sobrevive de la naturaleza (es decir, de la imagen de una escena del mundo real, como se forma en una cámara oscura por un lente).

Vista desde la ventana en Le Gras, 1826 o 1827, la fotografía más antigua de la cámara superviviente

Debido a que las fotografías de la cámara de Niépce requirieron una exposición extremadamente larga (al menos ocho horas y probablemente varios días), él buscó mejorar mucho su proceso de betún o reemplazarlo por uno que fuera más práctico. En asociación con Louis Daguerre, trabajó en métodos de procesamiento posterior a la exposición que produjeron resultados visualmente superiores y reemplazó el betún con una resina más sensible a la luz, pero aún se necesitaban horas de exposición en la cámara. Con el objetivo de una eventual explotación comercial, los socios optaron por el secreto total.

Niépce murió en 1833 y Daguerre luego redirigió los experimentos hacia los haluros de plata sensibles a la luz, que Niépce había abandonado muchos años antes debido a su incapacidad para hacer las imágenes que capturó con ellas de manera rápida y permanente. Los esfuerzos de Daguerre culminaron en lo que más tarde se llamaría el proceso de daguerrotipo. Los elementos esenciales -una superficie plateada sensibilizada por el vapor de yodo, desarrollada por el vapor de mercurio y “fija” con agua salada saturada caliente- estaban en su lugar en 1837.

El tiempo de exposición requerido se midió en minutos en lugar de horas. Daguerre tomó la primera fotografía confirmada de una persona en 1838 mientras capturaba una vista de una calle de París: a diferencia del otro tráfico peatonal y de caballos en el ajetreado bulevar, que parece desierto, un hombre con sus botas pulidas permanecía lo suficientemente quieto durante los varios -minutos de exposición larga para ser visible. La existencia del proceso de Daguerre se anunció públicamente, sin detalles, el 7 de enero de 1839.

La noticia creó una sensación internacional. Francia pronto acordó pagar a Daguerre una pensión a cambio del derecho de presentar su invención al mundo como el regalo de Francia, que ocurrió cuando se dieron a conocer instrucciones de trabajo completas el 19 de agosto de 1839. En ese mismo año, el fotógrafo estadounidense Robert Cornelius es acreditado con tomar el autorretrato fotográfico más antiguo que haya sobrevivido.

En Brasil, al parecer, Hércules Florencia había comenzado a elaborar un proceso de papel a base de sal de plata en 1832, y luego lo nombró Photographie.

Mientras tanto, un inventor británico, William Fox Talbot, había tenido éxito en la fabricación de imágenes de plata crudas pero razonablemente rápidas en papel ya en 1834, pero había mantenido su trabajo en secreto. Después de leer acerca de la invención de Daguerre en enero de 1839, Talbot publicó su método hasta ahora secreto y se propuso mejorarlo. Al principio, al igual que otros procesos pre-daguerrotipo, la fotografía en papel de Talbot normalmente requería exposiciones de una hora en la cámara, pero en 1840 creó el proceso de calotipo, que utilizaba el desarrollo químico de una imagen latente para reducir en gran medida la exposición necesaria y competir con el daguerrotipo.

Tanto en su forma original como en su forma de calotipo, el proceso de Talbot, a diferencia de Daguerre, creó un negativo translúcido que podría usarse para imprimir múltiples copias positivas; esta es la base de la fotografía química más moderna hasta el día de hoy, ya que los Daguerrotipos solo podían replicarse al volver a fotografiarlos con una cámara. El famoso papel diminuto de Talbot de la ventana de Oriel en Lacock Abbey, una de las numerosas fotografías de cámara que realizó en el verano de 1835, puede ser la cámara negativa más antigua que existe.

El químico británico John Herschel hizo muchas contribuciones al nuevo campo. Inventó el proceso de cianotipo, más tarde conocido como el “blueprint”. Fue el primero en usar los términos “fotografía”, “negativo” y “positivo”. Descubrió en 1819 que el tiosulfato de sodio era un solvente de los halogenuros de plata, y en 1839 informó a Talbot (e indirectamente a Daguerre) que podía usarse para “fijar” fotografías basadas en haluros de plata y hacerlas completamente livianas. . Hizo el primer vidrio negativo a fines de 1839.

En la edición de marzo de 1851 de The Chemist, Frederick Scott Archer publicó su proceso de colodión con placa húmeda. Se convirtió en el medio fotográfico más utilizado hasta que la placa seca de gelatina, introducida en la década de 1870, finalmente la reemplazó. Hay tres subconjuntos en el proceso de colodión; el Ambrotype (una imagen positiva en vidrio), el Ferrotype o Tintype (una imagen positiva en metal) y el vidrio negativo, que se usó para hacer impresiones positivas en albúmina o papel salado.

Muchos avances en las placas de vidrio fotográfico y la impresión se realizaron durante el resto del siglo XIX. En 1891, Gabriel Lippmann introdujo un proceso para hacer fotografías de color natural basadas en el fenómeno óptico de la interferencia de las ondas de luz. Su invención científicamente elegante e importante pero en última instancia impráctica le valió el Premio Nobel de Física en 1908.

Las placas de vidrio fueron el medio para la fotografía de la cámara más original desde finales de la década de 1850 hasta la introducción general de películas plásticas flexibles durante la década de 1890. Aunque la conveniencia de la película popularizó enormemente la fotografía amateur, las primeras películas eran algo más caras y de una calidad óptica notablemente inferior a la de sus equivalentes de placa de vidrio, y hasta finales de la década de 1910 no estaban disponibles en los grandes formatos preferidos por la mayoría de los fotógrafos profesionales.

El nuevo medio no reemplazó de manera inmediata o completa el anterior. Debido a la estabilidad dimensional superior del vidrio, el uso de placas para algunas aplicaciones científicas, como la astrofotografía, continuó en la década de 1990, y en el campo de nicho de la holografía láser, ha persistido hasta la década de 2010.

Tipos

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Fotografía cinematográfica

Hurter y Driffield comenzaron a trabajar de manera pionera en la sensibilidad a la luz de las emulsiones fotográficas en 1876. Su trabajo permitió idear la primera medida cuantitativa de la velocidad de la película.

La primera película flexible de rollo fotográfico fue comercializada por George Eastman en 1885, pero esta “película” original era en realidad una capa sobre una base de papel. Como parte del procesamiento, la capa portadora de la imagen se extrajo del papel y se transfirió a un soporte de gelatina endurecido. La primera película de rollo de plástico transparente siguió en 1889. Estaba hecha de nitrocelulosa altamente inflamable (“celuloide”), que ahora se conoce como “película de nitrato”.

Aunque el acetato de celulosa o “película de seguridad” había sido introducido por Kodak en 1908, al principio encontró solo algunas aplicaciones especiales como alternativa a la peligrosa película de nitrato, que tenía la ventaja de ser considerablemente más resistente, ligeramente más transparente. y más barato. El cambio no se completó para películas de rayos X hasta 1933, y aunque la película de seguridad siempre se usó para películas domésticas de 16 mm y 8 mm, la película de nitrato permaneció estándar para películas cinematográficas de 35 mm hasta que finalmente se suspendió en 1951.

Las películas siguieron siendo la forma dominante de fotografía hasta principios del siglo XXI, cuando los avances en la fotografía digital atrajeron a los consumidores a formatos digitales. Aunque la fotografía moderna está dominada por usuarios digitales, la película continúa siendo utilizada por entusiastas y fotógrafos profesionales. El “aspecto” distintivo de las fotografías basadas en películas en comparación con las imágenes digitales probablemente se deba a una combinación de factores, que incluyen:

  • Diferencias en sensibilidad espectral y tonal (densidad en forma de S a (curva de H y D) con película vs. curva de respuesta lineal para sensores CCD digitales).
  • Resolución.
  • Continuidad de tono.

Fotografía monocromática

Blanco y negro

Originalmente, todas las fotografías eran monocromas o en blanco y negro. Incluso después de que la película en color estuviera disponible, la fotografía en blanco y negro siguió dominando durante décadas, debido a su menor costo y su apariencia fotográfica “clásica”. Los tonos y el contraste entre las áreas claras y oscuras definen la fotografía en blanco y negro.

Es importante tener en cuenta que las imágenes monocromáticas no están necesariamente compuestas de negros puros, blancos y tonos intermedios de gris, sino que pueden involucrar tonos de un tono particular dependiendo del proceso. El proceso de cianotipo, por ejemplo, produce una imagen compuesta de tonos azules. El proceso de impresión de albúmina se utilizó por primera vez hace más de 170 años y produce tonos marrones.

Muchos fotógrafos siguen produciendo algunas imágenes monocromáticas, a veces debido a la permanencia archivada establecida de materiales bien elaborados basados ​​en haluros de plata. Algunas imágenes digitales a todo color se procesan utilizando una variedad de técnicas para crear resultados en blanco y negro, y algunos fabricantes producen cámaras digitales que disparan exclusivamente en monocromo.

La impresión monocromática o la pantalla electrónica se pueden utilizar para salvar ciertas fotografías tomadas en color que no son satisfactorias en su forma original; a veces, cuando se presentan como imágenes en blanco y negro o en tonos de un solo color, se considera que son más efectivas. Aunque la fotografía en color ha predominado durante mucho tiempo, todavía se producen imágenes en blanco y negro, principalmente por motivos artísticos.

Casi todas las cámaras digitales tienen la opción de disparar en monocromo, y casi todos los software de edición de imágenes pueden combinar o descartar selectivamente los canales de color RGB para producir una imagen monocromática a partir de una toma en color.

Fotografía en color

Color

La primera fotografía a color realizada por el método de tres colores sugerido por James Clerk Maxwell en 1855, tomada en 1861 por Thomas Sutton. El sujeto es una cinta con dibujos de color tartán. Se exploró a partir de la década de 1840. Los primeros experimentos en color requerían exposiciones extremadamente largas (horas o días para las imágenes de la cámara) y no podían “arreglar” la fotografía para evitar que el color se desvaneciera rápidamente cuando se expone a la luz blanca.

La primera fotografía en color permanente fue tomada en 1861 utilizando el principio de separación de tres colores publicado por primera vez por el físico escocés James Clerk Maxwell en 1855. La base de prácticamente todos los procesos de color prácticos, la idea de Maxwell fue tomar tres fotografías en blanco y negro separadas a través de filtros rojos, verdes y azules.

Esto proporciona al fotógrafo los tres canales básicos necesarios para recrear una imagen en color. Las impresiones transparentes de las imágenes podrían proyectarse a través de filtros de color similares y superponerse en la pantalla de proyección, un método aditivo de reproducción del color.

Se podría producir una impresión en color sobre papel al superponer impresiones de carbono de las tres imágenes realizadas en sus colores complementarios, un método de extracción de color sustractivo iniciado por Louis Ducos du Hauron a fines de la década de 1860.

El fotógrafo ruso Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii hizo un uso extensivo de esta técnica de separación de colores, empleando una cámara especial que exponía sucesivamente las tres imágenes filtradas por color en diferentes partes de una placa oblonga. Debido a que sus exposiciones no eran simultáneas, los sujetos inestables exhibían “franjas” de color o, si se movían rápidamente a través de la escena, aparecían como fantasmas de colores brillantes en las imágenes proyectadas o impresas resultantes.

La implementación de la fotografía en color se vio obstaculizada por la sensibilidad limitada de los primeros materiales fotográficos, que eran en su mayoría sensibles al azul, apenas sensibles al verde y prácticamente insensibles al rojo. El descubrimiento de la sensibilización del tinte por el fotoquimista Hermann Vogel en 1873 de repente permitió agregar sensibilidad al verde, amarillo e incluso al rojo. Los sensibilizadores de color mejorados y las mejoras continuas en la sensibilidad general de las emulsiones redujeron constantemente los largos tiempos de exposición, una vez prohibitivos, requeridos para el color, acercándolo cada vez más a la viabilidad comercial.

Puede formar imágenes como transparencias positivas, que se pueden usar en un proyector de diapositivas, o como negativos de color destinados a la creación de ampliaciones de color positivas en papel con recubrimiento especial. Esta última es ahora la forma más común de fotografía en color de película (no digital) debido a la introducción de equipos automáticos de impresión de fotografías.

Después de un período de transición centrado alrededor de 1995-2005, la película en color fue relegada a un nicho de mercado por cámaras digitales de varios megapíxeles de bajo costo. La película sigue siendo la preferencia de algunos fotógrafos debido a su “aspecto” distintivo.

Fotografía digital

En 1981, Sony presentó la primera cámara de consumo para usar un dispositivo de carga acoplada para imágenes, eliminando la necesidad de película: el Sony Mavica. Mientras que Mavica guardaba las imágenes en el disco, las imágenes se mostraban en la televisión y la cámara no era completamente digital. En 1991, Kodak presentó la DCS 100, la primera cámara réflex digital de objetivo único disponible comercialmente. Aunque su alto costo excluía otros usos además del fotoperiodismo y la fotografía profesional, nació la fotografía digital comercial.

Las imágenes digitales utilizan un sensor de imagen electrónico para registrar la imagen como un conjunto de datos electrónicos en lugar de como cambios químicos en la película. Una diferencia importante entre la fotografía digital y la química es que la fotografía química resiste la manipulación de la fotografía porque involucra papel fotográfico y fotográfico, mientras que la imagen digital es un medio altamente manipulador. Esta diferencia permite un grado de procesamiento posterior de la imagen que es comparativamente difícil en la fotografía basada en película y permite diferentes potenciales de comunicación y aplicaciones.

La fotografía digital domina el siglo XXI. Más del 99% de las fotografías tomadas en todo el mundo son a través de cámaras digitales, cada vez más a través de teléfonos inteligentes.

Fotografía de síntesis

Es parte de las imágenes generadas por computadora (CGI) donde el proceso de toma de fotografías se modela en la fotografía real. El CGI, al crear copias digitales del universo real, requiere un proceso de representación visual de estos universos. La fotografía de síntesis es la aplicación de fotografía analógica y digital en el espacio digital. Con las características de la fotografía real pero sin verse limitado por los límites físicos del mundo real, la fotografía de síntesis permite a los artistas moverse hacia áreas más allá de la captación de la fotografía real.

Técnicas fotográficas

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  • Los ángulos tales como vertical, horizontal, diagonal se consideran técnicas fotográficas importantes.
  • Una gran variedad de técnicas y medios fotográficos se utilizan en el proceso de captura de imágenes para fotografía.

Estos incluyen:

  • La cámara.
  • Estereoscopio.
  • Fotografía dual, medios de espectro completo, ultravioleta e infrarrojo; fotografía de campo claro; y otras técnicas de imagen.

Cámaras

La cámara es el dispositivo de formación de imágenes y el medio de captura es una placa fotográfica, una película fotográfica o un sensor de imagen electrónico de silicio. El medio de grabación respectivo puede ser la placa o película propiamente dicha, o una memoria digital magnética o electrónica.

Los fotógrafos controlan la cámara y el objetivo para “exponer” el material de grabación a la cantidad de luz requerida para formar una “imagen latente” (en placa o película) o archivo RAW (en cámaras digitales) que, después del procesamiento apropiado, se convierte en una imagen utilizable Las cámaras digitales utilizan un sensor de imagen electrónico basado en componentes electrónicos sensibles a la luz, como el dispositivo de carga acoplada (CCD) o la tecnología complementaria de óxido de metal y semiconductor (CMOS). La imagen digital resultante se almacena electrónicamente, pero se puede reproducir en un papel.

Estereoscópico

Las fotografías, tanto monocromas como en color, pueden capturarse y mostrarse a través de dos imágenes una al lado de la otra que emulan la visión estereoscópica humana. La fotografía estereoscópica fue la primera que capturó figuras en movimiento. Si bien se lo conoce coloquialmente como fotografía “3-D”, el término más preciso es estereoscopía.

Dichas cámaras se han realizado durante mucho tiempo mediante el uso de películas y, más recientemente, en métodos electrónicos digitales (incluidas las cámaras de teléfonos celulares).

Fotografía dual

Un ejemplo de una doble foto usando una aplicación basada en un teléfono inteligente

La fotografía dual consiste en fotografiar una escena desde ambos lados de un dispositivo fotográfico a la vez (por ejemplo, una cámara para una doble fotografía posterior o dos cámaras de red para una doble fotografía con plano de portal). El aparato de doble foto puede usarse para capturar simultáneamente tanto al sujeto como al fotógrafo, o ambos lados de un lugar geográfico a la vez, agregando así una capa narrativa complementaria a la de una sola imagen.

Fotografía de espectro completo

Espectro completo, ultravioleta e infrarrojo

Esta imagen de los anillos de Saturno es un ejemplo de la aplicación de la fotografía ultravioleta en astronomía.

Las películas ultravioletas e infrarrojas han estado disponibles durante muchas décadas y se han utilizado en diversas avenidas fotográficas desde la década de 1960. Las nuevas tendencias tecnológicas en fotografía digital han abierto una nueva dirección en la fotografía de espectro completo, donde las opciones de filtrado cuidadoso a través del ultravioleta, visible e infrarrojo conducen a nuevas visiones artísticas.

La cámara digital modificadas pueden detectar algunos ultravioletas, todo el espectro visible y gran parte del infrarrojo cercano, ya que la mayoría de los sensores de imágenes digitales son sensibles desde aproximadamente 350 nm a 1000 nm. Una cámara digital lista para usar contiene un filtro infrarrojo de espejo caliente que bloquea la mayor parte del infrarrojo y un poco del ultravioleta que de otro modo sería detectado por el sensor, reduciendo el rango aceptado de aproximadamente 400 nm a 700 nm.

Reemplazar un espejo caliente o un filtro de bloqueo de infrarrojos con un pase de infrarrojos o un amplio filtro de transmisión espectral permite que la cámara detecte la luz de espectro más amplio con mayor sensibilidad. Sin el espejo caliente, los microfiltros de color rojo, verde y azul (o cian, amarillo y magenta) colocados sobre los elementos sensores pasan cantidades variables de luz ultravioleta (ventana azul) e infrarroja (principalmente roja y algo menos verde y azul) microfiltros).

Los usos de la fotografía de espectro completo son para fotografía de bellas artes, geología, medicina forense y aplicación de la ley.

Fotografía de campo claro

Los métodos digitales de captura de imágenes y procesamiento de visualización han habilitado la nueva tecnología de “fotografía de campo claro” (también conocida como fotografía de apertura sintética). Este proceso permite enfocar en varias profundidades de campo para ser seleccionado después de que la fotografía ha sido capturada. Como explicó Michael Faraday en 1846, el “campo de luz” se entiende como 5-dimensional, con cada punto en el espacio 3-D con atributos de dos ángulos más que definen la dirección de cada rayo que pasa por ese punto.

Otras técnicas de imagen

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Además de la cámara, otros métodos de formación de imágenes con luz están disponibles. Por ejemplo, una fotocopia o máquina de xerografía forma imágenes permanentes pero utiliza la transferencia de cargas eléctricas estáticas en lugar de medios fotográficos, de ahí el término electro fotografía. Los fotogramas son imágenes producidas por las sombras de los objetos proyectados en el papel fotográfico, sin el uso de una cámara. Los objetos también se pueden colocar directamente sobre el cristal de un escáner de imágenes para producir imágenes digitales.

Modos de producción

Aficionado

Un fotógrafo aficionado es aquel que practica la fotografía como un hobby / pasión y no necesariamente con fines de lucro. La calidad de algunos trabajos de aficionados es comparable a la de muchos profesionales y puede ser altamente especializada o ecléctica en la elección de temas. La fotografía amateur suele ser preeminente en temas fotográficos que tienen pocas perspectivas de uso o recompensa comercial.

La fotografía amateur creció a fines del siglo XIX debido a la popularización de la cámara de mano. Hoy en día se ha extendido ampliamente a través de las redes sociales y se lleva a cabo a través de diferentes plataformas y equipos, pasando al uso del teléfono celular como una herramienta clave para que la fotografía sea más accesible para todos.

Comercial

La fotografía comercial probablemente se defina mejor como cualquier fotografía por la que se paga al fotógrafo por imágenes en lugar de obras de arte. En este sentido, se podría pagar dinero por el tema de la fotografía o la fotografía en sí. Los usos mayoristas, minoristas y profesionales de la fotografía entrarían en esta definición.

El mundo fotográfico comercial podría incluir:

Publicitaria

  • Fotografías realizadas para ilustrar y generalmente venden un servicio o producto.
  • Estas imágenes, como los paquetes, generalmente se hacen con una agencia de publicidad, una firma de diseño o con un equipo de diseño corporativo interno.

Moda y glamour

  • Generalmente incorpora modelos y es una forma de fotografía publicitaria.
  • La de moda, como el trabajo presentado en Harper’s Bazaar, enfatiza la ropa y otros productos; el glamour enfatiza el modelo y la forma del cuerpo.
  • La de glamour es popular en la publicidad y en revistas para hombres.
  • Los modelos en la fotografía de glamour a veces trabajan desnudos.

Conciertos

  • Se centra en capturar imágenes francas del artista o la banda, así como de la atmósfera (incluida la multitud).
  • Muchos de estos fotógrafos trabajan de forma independiente y son contratados a través de un artista o su dirección para cubrir un espectáculo específico.
  •  A menudo se usan para promocionar al artista o banda además del lugar.

Escena del crimen

  • Consiste en fotografiar escenas de crímenes tales como robos y asesinatos.
  • Se puede usar una cámara en blanco y negro o una cámara de infrarrojos para capturar detalles específicos.

Naturaleza muerta

  • Suele representar un objeto inanimado, por lo general objetos comunes que pueden ser naturales o creados por el hombre.
  • La naturaleza muerta es una categoría más amplia para la comida y algunas fotografías naturales y se puede utilizar con fines publicitarios.

Alimentos

  • Se puede usar para uso editorial, de empaque o publicitario.
  • La fotografía de alimentos es similar a la fotografía de naturaleza muerta, pero requiere algunas habilidades especiales.

Editorial

  • Ilustra una historia o idea dentro del contexto de una revista.
  • Estos son generalmente asignados por la revista y abarcan características de fotografía de moda y glamour.

El fotoperiodismo

  • Se puede considerar un subconjunto de la fotografía editorial.
  • Las fotografías realizadas en este contexto se aceptan como documentación de la noticia.

Retrato y boda

  • Fotografías hechas y vendidas directamente al usuario final de las imágenes.

Paisaje

  • Muestra ubicaciones.
  • La vida salvaje demuestra la vida de los animales.

Paparazzi

  • Es una forma de fotoperiodismo en la que el fotógrafo captura imágenes francas de atletas, celebridades, políticos y otras personas destacadas.

Mascotas

  • Implica varios aspectos que son similares a los retratos de estudio tradicionales.
  • También se puede hacer con luz natural, fuera de un estudio, como en el hogar de un cliente.

Artística

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Fotografía clásica de Alfred Stieglitz, The Steerage muestra una estética única de fotos en blanco y negro.

Durante el siglo XX, tanto la fotografía artística como la fotografía documental fueron aceptadas por el mundo del arte de habla inglesa y el sistema de galerías. En los Estados Unidos, un puñado de fotógrafos, incluidos Alfred Stieglitz, Edward Steichen, John Szarkowski, F. Holland Day y Edward Weston, pasaron sus vidas abogando por la fotografía como un arte. Al principio, los fotógrafos de bellas artes trataron de imitar los estilos de pintura.

Este movimiento se llama Pictorialism, a menudo utilizando el enfoque suave para una apariencia soñadora y “romántica”. En reacción a eso, Weston, Ansel Adams y otros formaron el Grupo f / 64 para defender la “fotografía directa”, la fotografía como una cosa (claramente enfocada) en sí misma y no como una imitación de otra cosa.

La estética de la fotografía es un tema que continúa siendo discutido regularmente, especialmente en círculos artísticos. Muchos artistas argumentaron que la fotografía era la reproducción mecánica de una imagen. Es auténticamente arte, entonces la fotografía en el contexto del arte necesitaría una redefinición, como determinar qué componente de una fotografía lo hace bello para el espectador. La controversia comenzó con las primeras imágenes “escritas con luz”; Nicéphore Niépce, Louis Daguerre y otros entre los primeros fotógrafos fueron recibidos con aclamación, pero algunos cuestionaron si su trabajo cumplía con las definiciones y propósitos del arte.

La fotografía conceptual convierte un concepto o idea en una fotografía. Aunque lo que se muestra en las fotografías son objetos reales, el tema es estrictamente abstracto.

Fotoperiodismo

El fotoperiodismo es una forma particular de fotografía (la recopilación, edición y presentación de material de noticias para publicación o transmisión) que emplea imágenes para contar una historia noticiosa. Por lo general, ahora se entiende que se refiere solo a imágenes fijas, pero en algunos casos el término también se refiere al video utilizado en el periodismo de difusión.

Se distingue de otras ramas cercanas de la fotografía (por ejemplo, fotografía documental, fotografía documental social, fotografía callejera o fotografía de celebridades) al cumplir con un rígido marco ético que exige que el trabajo sea honesto e imparcial mientras se cuenta la historia en términos estrictamente periodísticos.

Los fotoperiodistas crean imágenes que contribuyen a los medios de comunicación y ayudan a las comunidades a conectarse entre sí. Los fotoperiodistas deben estar bien informados y informados sobre los eventos que ocurren justo afuera de su puerta. Ofrecen noticias en un formato creativo que no solo es informativo, sino también entretenido.

Implicaciones sociales y culturales

Hay muchas preguntas en curso sobre diferentes aspectos de la fotografía. En su escrito “Sobre la fotografía” (1977), Susan Sontag discute las preocupaciones sobre la objetividad de la fotografía. Este es un tema muy debatido dentro de la comunidad fotográfica. Sontag sostiene: “fotografiar es apropiarse de lo fotografiado.

Significa ponerse en una cierta relación con el mundo que se siente como conocimiento, y por lo tanto como poder”. Los fotógrafos deciden de qué tomar una foto, qué elementos excluir y qué ángulo enmarcar la foto, y estos factores pueden reflejar un contexto socio-histórico particular. En este sentido, se puede argumentar que la fotografía es una forma subjetiva de representación.

La fotografía moderna ha planteado una serie de preocupaciones sobre su efecto en la sociedad. En la ventana trasera de Alfred Hitchcock (1954), la cámara se presenta como promoción del voyeurismo. “Aunque la cámara es una estación de observación, el acto de fotografiar es más que una observación pasiva”.

La cámara no viola ni posee, aunque presuma, inmiscuya, traspase, distorsione, explote y, en el más alejado de la metáfora, asesine: todas las actividades que, a diferencia del empujón sexual, pueden realizarse desde un distancia, y con cierto desapego.

Las imágenes digitales han planteado preocupaciones éticas debido a la facilidad de manipulación de fotografías digitales en el postprocesamiento. Muchos fotoperiodistas han declarado que no recortarán sus imágenes o están prohibidos de combinar elementos de varias fotos para hacer “fotomontajes”, pasándolos como fotografías “reales”. La tecnología actual ha hecho que la edición de imágenes sea relativamente simple incluso para el fotógrafo novato. Sin embargo, los cambios recientes del procesamiento en la cámara permiten la toma de huellas dactilares digitales de fotografías para detectar la manipulación con fines de fotografía forense.

La fotografía es una de las nuevas formas de los medios que cambia la percepción y cambia la estructura de la sociedad. Se ha producido una mayor inquietud en torno a las cámaras con respecto a la desensibilización. Los temores de que las imágenes perturbadoras o explícitas sean ampliamente accesibles para los niños y la sociedad en general se han planteado.

En particular, las fotos de la guerra y la pornografía están causando revuelo. Sontag está preocupado de que “fotografiar es convertir a las personas en objetos que pueden ser poseídos simbólicamente”. La discusión de desensibilización va de la mano con debates sobre imágenes censuradas. Sontag escribe sobre su preocupación de que la capacidad de censurar imágenes significa que el fotógrafo tiene la capacidad de construir la realidad.

Fotografía y ley

La fotografía está restringida y protegida por la ley en muchas jurisdicciones. La protección de fotografías generalmente se logra mediante la concesión de derechos de autor o derechos morales al fotógrafo. En los Estados Unidos, la fotografía está protegida como un derecho de la Primera Enmienda y cualquiera puede fotografiar cualquier cosa que se vea en los espacios públicos, siempre que esté a la vista. En el Reino Unido, una ley reciente (Ley contra el Terrorismo de 2008) aumenta el poder de la policía para evitar que las personas, incluso los fotógrafos de prensa, tomen fotografías en lugares públicos.

Referencias

Spencer, D A (1973). El Diccionario Focal de Tecnologías Fotográficas. Focal Press. pag. 454. ISBN 978-0133227192.

 φάος, Henry George Liddell, Robert Scott, Un léxico griego-inglés, sobre Perseo

 γραφή, Henry George Liddell, Robert Scott, Un léxico griego-inglés, sobre Perseo

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 Boris Kossoy (2004). Hercule Florencia: El descubrimiento de la fotografía en Brasil. Instituto Nacional de Antropología e Historia. ISBN 968-03-0020-X.

 Plantilla: Cite periodical

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 Campbell, Jan (2005) Cine y cine espectador: melodrama y mimesis. Gobierno. pag. 114. ISBN 0-7456-2930-X

 Krebs, Robert E. (2004). Experimentos científicos innovadores, invenciones y descubrimientos de la Edad Media y el Renacimiento. Greenwood Publishing Group. pag. 20. ISBN 0-313-32433-6.

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Licda. En Comunicación Social, mención Comunicación y Desarrollo con 16 años en el ejercicio del periodismo, ahora Redactora Web Maracay- Venezuela

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